Aujourd’hui,

je vous propose de découvrir 

le MOCAA, le tout nouveau 

musée d’art contemporain du Cap. 

En septembre dernier, s’est ouvert à Cape Town le plus grand musée d’art contemporain d’Afrique, le Zeitz MoCAA, pour “Zeitz Museum of Contemporary Art Africa”. 

Symboliquement très important pour la ville, il permet aux artistes africains de disposer d’un musée d’envergure où exposer “chez eux” et devrait, selon les spécialistes, dynamiser de façon intéressante le marché de l’art contemporain local et international. 

L’aventure a débuté en 2008 lorsque des promoteurs immobiliers du Cap se sont interrogés sur la meilleure manière d’utiliser et valoriser l’ancien silo à grains du port du Cap, labellisé monument historique – donc non destructible – abandonné depuis des décennies et devenu embarrassant au milieu des restaurants et des boutiques du très tendance Waterfront.

Construit en 1924 par la South African Railway, ce bâtiment fut pendant longtemps le plus élevé d’Afrique sud-saharienne avec ses 57 mètres de hauteur et ses 42 énormes silos, chacun mesurant 5 mètres de large pour 30 mètres de haut. Ils recevaient à l’époque, au bord du port, les grains de blé, de maïs ou de sorgo destinés à l’exportation vers le Royaume Uni et stockés ici en attendant d’être transférés sur les bateaux. 
La vocation internationale du lieu est donc ancienne. 

Il restait quelques grains au fond de ces silos : ce sont eux et leur analyse au scanner qui ont inspiré le cabinet d’architecture londonien – et son fondateur Thomas Heatherwick – retenu pour ce projet d’envergure : 35 millions d’euros investis par un consortium des propriétaires fonciers du Waterfront et le don d’une collection privée 100% africaine par le millionnaire allemand Jochen Zeitz, pour repenser entièrement ce monument qui dispose maintenant d’une centaine de galeries réparties sur 9 étages et 6000 m2 de zone d’exposition. 

Chaque silo construit en béton a été scié à l’aide d’une machine à tailler le diamant : en effet, ce matériaux ayant pour spécificité d’atteindre sa dureté la plus forte une centaine d’années après avoir été coulé – précisément au moment où le projet de musée a vu le jour ! – il a donc fallu user des grands moyens pour parvenir à briser les tubes. 
Ceux-ci ont ensuite été renforcés au ciment et recouvert de verre, laissant entrer la lumière zénithale et donnant l’impression d’une gigantesque cathédrale de béton, à mi chemin entre le l’espace religieux et la ruche d’abeille, grouillante d’art et d’énergie créative. 

  

En plus des ascenseurs centraux qui montent et descendent le long des tubes, rappelant les pistons industriels, et par là même, la vocation ouvrière du lieu… 

… Un impressionnant escalier latéral en colimaçon permet d’accéder à tous les étages du bâtiment. Il a été façonné à la mesure d’un des silos puis inséré à l’intérieur, par le toit :

Le reste de la surface – 3500 m2 – est réservée aux espaces administratifs mais aussi à un restaurant panoramique et à un hôtel de luxe de 28 chambres pensé par l’architecte comme le nouveau phare du Cap : les 80 chandeliers de cristal  venu d’Egypte illuminant la partie supérieure du bâtiment dès la tombée de la nuit. 

Le musée accueille une collection permanente mais aussi des expositions temporaires, et il est ouvert tous les jours sauf le mardi. L’entrée est payante – 180 rands auxquels il faut rajouter 120 rands si vous choisissez de vous faire accompagner d’un guide –  sauf les mercredis matins et les jours fériés qui sont gratuits. 

Les tarifs d’entrée du musée et des boutiques et restaurant qui s’y trouvent, totalement en dehors des réalités économiques de la majorité de la population sud africaine, ont généré de nombreuses critiques envers le projet. 

De même, si le bâtiment fait l’unanimité, la collection, elle, interroge les spécialistes. 
Parmi la centaine d’oeuvres d’art présente dans le bâtiment, en voici quelqu’unes, qui devraient vous permettre de vous faire une idée. 

Bonne visite ! 

Nicholas Hlobo – Iimpundulu Zonke Ziyandilandela 

Artiste sud africain originaire de l’Eastern Cape, il a créé cette oeuvre pour la biennale de Venise en 2011. Son dragon, constitué de déchets urbains et de rubans, rappelle l’animal mythologique xhosa qui sort la nuit et dévaste les villages, symbolisant ses angoisses d’enfance, ressenties lorsqu’il dû quitter sa campagne natale pour rejoindre la ville. 
Installée dans le hall magistral d’entrée (la nef ?) du musée, cette sculpture est accompagnée d’une musique de voix a capella qui rappelle fortement les chants religieux, et renforce l’impression de sacré qui happe le visiteur dès son arrivée.  

Michele Mathison – Bushveld

Sculpteur sud africain élevé au Zimbabwe, cet artiste est très proche de la nature et apprécie particulièrement les métiers manuels comme la menuiserie et la précision que requièrent ce types de professions. Le thème de l’agriculture et de la terre est central chez lui. Ce triptyque a été réalisé sur bois, par simple système de brûlure. 

Etson Chagas – Found Not Taken

Artiste angolais, il place la question du consumérisme et du contexte socio-culturel contemporain au centre de son travail. Cette série de photos d’objets trouvés dans la rue et abandonnés, a été imprimée en posters, placés sur des palettes au sous-sol du musée, là où les grains finissaient leur course. Le visiteur peut emporter à sa guise chacune des affiches. On se laisse souvent tenter, avant de réaliser qu’elles nous encombrent. Ne sachant pas quoi en faire durant la visite, elles terminent régulièrement abandonnées sur une table à un autre étage, mettant ainsi en scène un comportement représentatif et symptomatique de notre époque, que l’artiste dénonce ainsi dans son oeuvre. 

Zanele Muholi 

Photographe sud africaine, activiste des droits des LGBTIQ (Lesbian, Gay, Bisexual, Transgender, Intersex and Queer), elle met en scène des centaines de personnes de cette communauté, issues des townships du pays, pour dénoncer les violences et le rejet dont ils sont aujourd’hui encore victimes, malgré les protections légales et constitutionnelles existantes. En leur demandant de travailler eux-mêmes leur présentation – vestimentaire, maquillage, coiffure, etc. – en fonction de ce qu’ils ont envie de montrer d’eux-même afin de permettre au visiteur de poser un autre regard sur eux. 

Athi Patra Ruga – Night of The Long Knives III

Rappelant un peu le kitch et les photos ultra colorées d’un David Lachapelle, Athi Patra Ruga met en scène un monde fantasmagorique de photo-montages où c’est le titre de l’oeuvre qui permet d’en imaginer le sens caché. Ici la Nuit des Longs Couteaux fait référence à la purge politique qui eut lieu en 1934 durant la prise de pouvoir des nazis en Allemagne : au moment de la mort de Nelson Mandela en 2013, le réconciliateur charismatique du pays, la peur d’une purge similaire, anti-blancs, a fait parler d’elle en Afrique du sud. La série de tableaux de Ruga semble afficher des scénarios utopiques où la purge n’a pas eu lieu et où la transition politique a pu se faire de manière quasiment idyllique. Les ballons multicolores font référence au surnom donné à l’Afrique du sud : la Nation Arc-En-Ciel. 

William Kentridge – More Sweetly Play The Dance

Artiste sud africain originaire de Johannesburg, reconnu pour ses installations vidéo, ses dessins et ses productions théâtrales met ici en scène la ruée vers l’or qui s’empara du pays à la fin du 19ème siècle et fut à la base de la création de cette ville. Images d’un défilé de travailleurs qui avancent en ombres chinoises de gauche à droite des écrans, en boucle, au son d’une musique de carnaval assourdissante – comme le bruits des machines aux fond des mines – rappelle l’aliénation dont ils furent victimes mais aussi toute l’énergie que chacun de nous déploie et dépense chaque jour, métaphore de notre tentative pathétique pour survivre. 

Cyrus Kabiru – Macho Nne (série)

Artiste kenyan, son art se situe à la croisée de la photographie, la sculpture, le design et de la mode. Les masques et les lunettes géants – qu’ils confectionne lui même à base de matériaux recyclés et qu’ils met en scène sur lui même sous forme d’autoportraits thématiques – occupent une place centrale dans son travail, prouvant que la force créatrice humaine est infinie et que chaque chose et chaque personne peut être/se réinventer. 

Leonce Raphael Agbodjélou – Egungun Masquerades VII

Artiste béninois célèbre sur le continent pour ses photographie d’habitants Yoruba de Puerto Nuevo au Benin, capturés dans leurs costumes ancestraux habituellement portés durant les processions funéraires, mais dans le contexte de la ville d’aujourd’hui, symbolisant ainsi une génération en pleine mutation et transition, prise entre tradition et modernité.  

Mary Sibande – In The Midst Of Chaos, There Is Opportunity

Jeune artiste sud africaine connue pour ses sculptures-avatar d’elle-même – appelées Sophie – elle met ici en scène la figure féminine, habillée de la robe victorienne traditionnellement portée par les domestiques Noires d’Afrique du Sud jusqu’à la fin de l’Apartheid. Hommage à sa mère et sa grand-mère qui réussirent malgré l’oppression à transmettre l’amour, l’espoir et l’imagination autour d’elles, sources intarissables pour reprendre son destin en main et sortir vainqueur – d’où l’allégorie des sculptures militaires à cheval, dont les deux jambes sont relevées indiquant traditionnellement la mort du personnage au combat – de sa vie. Le titre semble rappeler qu’au milieu de l’océan de violence, la vie reprend toujours le dessus. 

Glenn Ligon – Runaways 

Rare artiste de la collection qui ne soit pas né sur le continent africain mais aux Etats-Unis, Glenn Ligon est néanmoins très concerné par les questions d’identité noire africaine, qu’il met régulièrement en scène dans ses oeuvres. Celle-ci est une série de lithographies d’affichettes d’avis de recherche de l’époque de l’esclavage aux Etats-Unis, décrivant par le détail le fugitif qui risquait désormais sa vie pour avoir voulu fuir, mais qui donnait aussi de l’espoir à ceux qui étaient restés, leur donnant l’illusion d’une autre vie était possible. 

Ghada Amer 

Artiste égyptienne d’origine, installée en France puis aux Etats Unis. Elle lie dans ses oeuvres les thématiques du féminisme, de la féminité, du genre, de la sexualité, de l’identité post-coloniale avec son histoire culturelle et familiale liée à l’islam. Très tôt elle est choquée par l’omniprésente oppression masculine dans l’art et le peu de place laissée aux femmes en tant qu’artistes. Depuis plus de vingt ans, sa signature est celle de tableaux où se mêlent peinture et tissages, art féminin par excellence, et affirmations textuelles très politisées.  

Mouna Karray 

Photographe tunisienne et spécialiste d’installations audio, elle a pour habitude de placer dans ses clichés un personnage (elle-même ou un mannequin) enfermé dans un drap blanc et pur, qui semble se débattre au milieu de l’indifférence générale et qui tranche face à des scènes de violence apocalyptiques. Passionnée de psychologie et de questions socio-politiques, l’artiste aborde de façon récurrente les sujets de la construction de l’identité et de la mémoire. Les thèmes de la liberté, de l’espace mental et de l’enfermement intellectuel ressortent très fortement de ces mises en scènes photographiques prises peu après le Printemps Arabe.  

Yinka Shonibare – Addio del Passato 

Elevé au Nigéria cet artiste multidisciplinaire s’intéresse particulièrement aux thèmes du colonialisme, du racisme et de la beauté. 
Installation audio-vidéo placée tout en haut du conduit d’aération originel du bâtiment, celui-ci abrite maintenant l’ascenseur qui mène aux parkings. 
Le dernier étage a été laissé dans son état initial, tranchant avec l’écran plat accroché tout en haut d’où s’échappe l’Addio del Passato, aria de la Traviata, célèbrissime opéra de Verdi. Le film dure 17 minutes, la cantatrice africaine qui joue le rôle principal semblant désespérée dans cet environnement dévasté de béton qui fait résonner sa voix puissante 24/24 et accueille le visiteur dès sa remontée du garage. L’impression qui en ressort est toute en émotions, nous rappelant les liens entre le passé et le présent, l’histoire et la modernité.  
A noter sa robe en Batik africain, véritable signature visuelle de cet artiste qui en fait le fil conducteur symbolique de son travail. 

Nandipha Mntambo – Emabutfo

Artiste du Swaziland, royaume monarchique enclavé en Afrique du Sud resté un peu hors du temps, Nandipha Mntambo a choisi de mettre en scène une “armée” de robes moulées à partir de son propre corps sur des peaux animales recyclées, faisant référence à la danse rituelle qui a encore lieu chaque année dans son pays, pratiquée par des dizaines de femmes vierges parmi lesquelles le roi choisira une nouvelle épouse à ajouter à son gynécée, telle des morceaux de viande sur un étalage. L’artiste a souhaité dénoncer ainsi cette pratique en insinuant qu’il serait facile, pour cette armée, de décider enfin de s’unir et de se retourner contre l’ordre établi. 

Pensez à réserver une visite guidée, si possible avec Sakhi, dont les connaissances du bâtiment, des oeuvres exposées et de l’histoire de l’art sont absolument impressionnantes.